A l'encre de Chine, ses « galligraphies », comme elle les a baptisées, révèlent tout un monde plein de vie. D'un trait sûr et épuré, elle brosse les attitudes de ces poules aussi diverses et variées que dans la société humaine. « On retrouve les mêmes attitudes chez les poules et chez les hommes. Je les connais bien, c'est une société humaine. D'ailleurs, au début, mes sculptures avaient davantage des têtes humaines. » Dessiner ces sujets en perpétuel mouvemente exige beaucoup d'observation et une maîtrise dans le trait. « Il faut s'imprégner de l'animal. Le but est d'arriver à exprimer un mouvement avec un minimum de traits. Il faut mettre le trait au bon endroit. « C'est plus facile de faire plein de traits qu'un seul pour retranscrire une attitude. » Ce travail de l'épure donne à ses volailles un côté japonisant.

Il met en scène des personnages naïfs et raconte des histoires autours de ses tableaux qui portent le plus souvent sur l'amour et des cœurs en quête de leur double. C'est une photo d'école sage, où les sujets ne veulent pas attirer l'attention des méchants qui par jalousie sont prêts à casser les bonheurs débutants.

Mais à la révolution, le changement radical de la société cubaine interrompt les aspirations profondes de l'adolescente. Son père, fervent et sincère communiste, lui transmet le fièvre révolutionnaire, et en 1965 elle obtient un poste à l'ambassade de Cuba à Paris. En mai 1968, elle quitte ses fonctions et opte définitivement pour un retour vers ses rêves d'enfance en laissant libre cours à l'inspiration créatrice qui l'habite.

Toujours sous l'impulsion magique de la Santéria, cette autodidacte se lance dans les milieux artistiques et bientôt s'exprime à la fois comme peintre, sculpteur, dessinateur, écrivain et styliste.

Autodidacte, elle vit et travaille dans le Haut-Var, au cœur de la forêt ou elle expose librement.

Je suis émerveillée par l'humour, la cocasserie, les surprenantes trouvailles de ces travaux, et par l'ingéniosité avec laquelle sont suscités par le moyen de textiles assemblés, ces personnages si chaleureux… et les libertés qu'ils prennent avec les mots d'ordres artistiques du moment. 

Voyage au pays de l'enfance.

C'est au début des années 80 qu'il va se passionner pour la peinture et conserver de son enfance les meilleurs moments de la création.

Il ne prend jamais de modèle, seule l'intention de pensée, l'idée guide sa main. Il élabore ses tableaux à partir de dessins simplifiés et de petits griffonnages.

Les thèmes abordés : petits portraits, maternités, vierges, autocars de voyages, bateaux, damiers d'images, clins d'œil à la bande dessinée.

Des objets de récupération les plus hétéroclites entrent dans la confection des ses œuvres. Maurice Fanciello a conservé de son enfance, un regard émerveillé sur les choses et les gens. Il ajoute à sa troublante ingénuité, un travail de plasticien consommé d'une richesse foisonnante, le raffinement de ses tons, la matière subtile de ses toiles le rappellent sans équivoque.

Quelquefois, ses madones, oursons et autres personnages s'échappent de ses toiles pour devenir des objets, des jouets pour adultes donnant une résonance à notre capital perdu d'anciens enfants.

Visionnaire, possédé par son monde, pas aussi naïf qu'on peut le croire au premier regard, ses petits trains, ses fusées interplanétaires sont, sous leurs airs de kermesse, des témoins d'une civilisation engendrant l'angoisse du lendemain.

Chris BESSER sort de la mystérieuse fabrique dans laquelle chacun pourrait s'approvisionner à condition de s'y consacrer avec la même ferveur et l'extrême vigilance, la totale disponibilité, permettant de ne pas laisser s'évanouir la fragile présence de l'inconnu. Quand l'inimaginable prend forme pour dépasser les limites de l'imagination.

Toutes choses n'ayant pas à voir avec ce foutu talent dont on nous rebat les oreilles, celui qui repose sur l'appris, alors qu'il ne faut rien savoir pour essayer de le dire. Et chercher, sans savoir quoi. La démarche de Chris Besser se tient dans cette voie étroite, celle où l'on fait passer les chameaux par le chas de l'aiguille. Celle où le travail la patience, la patience, la fidélité à soi - même sont les maîtres mots. Heureux qui comme Chris fait d'aussi beaux voyages…

Claudine Goux pratique la gravure, peint à la gouache et à l'acrylique, dessine à l'encre de Chine. Son travail, fait de ciselure et de fines hachures, nous entraîne dans la mythologie et l'histoire des religions qui la passionnent.

Cultivant simultanément le sacré et le profane, Claudine Goux nous offre à voir, avec grande délicatesse, la quintessence de sa rêverie infinie.

Elle s'inspire beaucoup de la mythologie et de la musique ; elle est influencée par l'art africain, océanien et précolombien. Elle compose de remarquables panneaux en bois pyrogravé, des triptyques qui se présentent comme une espèce de livre qui raconte des histoires. Les images jaillissent dans une sorte de foisonnement baroque, « ça grouille, ça fourmille, ça foisonne » et cela nous donne une belle écriture hiéroglyphique, riche de détails. Elle a exposé dans une cinquantaine de galeries et musées. Son œuvre, très reconnaissable, peut se rattacher à la tendance de l'Art Brut.

Celui-ci qui peignait parfois sur des meubles de cuisine avait l'habitude de peindre des toiles, accroupi sur ses talons devant son épicerie. Il était considéré comme peintre naïf et ne voulait vendre ses œuvres à personnes, pas même à Picasso qui passait souvent devant son magasin. Mais il fit don de deux toiles au Musée Picasso à la demande de la municipalité.

Petite en me peignant sur le bras, il disait à ma mère : « je vais lui mettre ça dans le sang. »

De tempérament soucieux et entreprenant. C'est un artiste autodidacte.

Ses œuvres évoquent des histoires et des mondes vécus ou sentis. Chaque personnage joue un rôle particulier et en même temps indissociable de l'ensemble général. C'est de là qu'il dégage sa fatalité : l'universalité des faits rend les individus presque ridicules et, par contre, l'individualité les empêche de s'attacher à l'Universel.

On pourrait donc les définir comme des archétypes fortement individualisés. Ils aident à tisser une atmosphère qui s'exprime aussi d'après la sensibilité de la ligne, la tâche et la couleur.

Silvia Aznar

Très tôt, Jean-Jacques a utilisé des supports de récupération, cartons, châssis, sacs de toile… Il l'a fait en sachant que s'affirme ainsi que le support n'est pas neutre : au moment où il va l'employer, le support a déjà vécu, déjà vieilli, et les traces qu'il porte supposent de l'histoire ; ils sont chargés, jamais indifférents, déchirés, rapiécés… Et Jean-Jacques sait bien que c'est vrai de n'importe quelle toile, bien sûr… Même celle du commerce achetée pour neuve et vierge. Mais c'est tellement plus évident dans ces vieux draps, ces vieux sacs, ces jutes fatiguées, ces cotons assouplis par le temps…

Jean-Jacques a inscrit sa pratique de la peinture dans l'une des grandes leçons de l'art moderne et contemporain qui intègre dans l'art les objets délaissés du monde, parce qu'il ne saisit pas le support comme une donnée immédiate de l'art, mais comme un espace constitué déjà chargé de sens avant que l'artiste intervienne…

Lorsque Jean-Jacques s'installe dans un espace, sur un support, il sait qu'il n'est pas sur un terrain vierge, que d'autres ici ont inscrit leur trace, et ce qu'il entend faire c'est mêler ses traces aux leurs, respecter leur voix pour y tisser la sienne. Quelle que soit la technique de l'intervention plastique, variable selon son type, son format, sa matière, le support est d'abord un lieu dont il faut sauvegarder et utiliser les inscriptions préalables.

R. Monticelli

Eugène Leduc n'a jamais appris. Il dessine au gré de sa fantaisie. Son inspiration n'est bridée par aucune contrainte. Il ne s'embarrasse d'aucune règle, ignorant l'art et la manière. C'est précisément sa grande liberté d'exécution et son invention toujours renouvelée qui expliquent l'étonnante fraîcheur de ses œuvres. Au fond de lui-même, Leduc reste un homme de la terre. Un être attaché à ses racines paysannes.

Cet autodidacte visionnaire, auteur de plus de huit cent œuvres, célèbre une certaine idée de l'homme, non pas celle étriquée d'un être coupée de la nature mais celle d'un être vivante en relation directe avec la terre. Ce travail constitue certes un bel hommage au paysan d'autrefois mais aussi, peut-être, à l'homme de demain. Un homme réconcilié avec le cosmos et avec son environnement. Il nous révèle également un regard candide et neuf, attentif à la beauté des choses ordinaires.

Joe Ryczko, Le chant du monde selon Leduc , Création France, 1991

Ecrire un texte sur la peinture de Nioré relève de la gageure. En effet, Nioré est un peintre qui se méfie des mots. D'ailleurs, il parle peu ; il est persuadé que la peinture ne peut être résumée en formules définitives, mises en équation d'algébristes plus ou moins freudiens, et que nombres d'artistes contemporains cachent leur impuissance derrière logorrhée impénétrable. « Plus il y a de texte, moins il y a de peinture… » dit-il souvent.

Donc l'éventuel commentateur est désemparé, coincé, frustré. Il peut en désespoir de cause, décrire la technique utilisée : de fines couches superposées de peinture acrylique largement brossées, faisant jouer subtilement les transparences sur des fonds préparés (à matière ou non) ; puis choisir ses mots les moins longs, affûter ses phrases les plus simples, pour dire que cette peinture si évidente cache soigneusement une grande complexité… qu'elle parle de l'homme et de son incertaine place dans l'univers, avec tendresse… voire même l'humour. Enfin conclure très vite : « D'où venons-nous ? Que faisons-nous ? Où allons-nous ?...». Nioré n'apporte pas les réponses bien sûr, mais sa peinture pose très bien la question.

Alexandre Blacas